poco moon blog

長く曲を作っていると、どうしても似たフレーズやコード進行ばかりになってしまうことがあります。いわゆる「マンネリ化」です。自分では「もっと新しいことをやりたい」と思っても、つい安心できるパターンに頼ってしまうものですよね。 しかし、マンネリは決して悪いことではありません。むしろ、自分自身が持っているパターンを見直し、「次の一歩」を考えるきっかけになります。特に、アンビエントやエレクトロニカを手がける方にとって、少しの変化が作品の世界観を大きく変えることがあります。 この記事では、私自身が実践してきた 5つの具体的な方法 を紹介します。短時間で取り入れられる工夫なので、次の曲制作にぜひご活用ください。 1. 使い慣れたコード進行に安心しすぎない 長年作曲をしていると、どうしても馴染みのコード進行に頼りがちです。例えば、自分の場合「Am‑F‑C‑G」をベースに曲を構築することが多く、安心できる反面、類似した雰囲気の楽曲が並んでしまうことがありました。 解決策 他ジャンルをコピーしてアレンジ スケールを変えてみる（ペンタトニック→フリジアン、ドリアンなど） 転調のタイミングを意図的にずらす（例：8小節目で+2半音、ドラムだけ先に変化） 少しの変化でも、インパクトのある響きに変わります。「使ったことのないコード進行×2」をまず1曲だけ試してみるのがおすすめです。 2. 喫茶店や外で作業してみる 自宅やいつもの作業場所では、どうしても同じパターンに偏りがちです。 外の環境で作業することは、新しい刺激を得る有効な方法です。 実践例 BGMのあるカフェで、普段作らないリズムやコード進行を試す 雨音や街のざわめきを録音して曲に取り入れる 制限時間30分で直感的にフレーズを作る 外の環境は偶然のアイデアを生みやすく、マンネリ打破に効果的です。 3. 本やネットで積極的に調べる 使い慣れたフレーズに頼りすぎると、新しい表現は出にくくなります。他の作曲家やジャンルの情報を取り入れましょう。 具体例 YouTubeでコード進行や作曲解説をチェック 作曲関連のブログや書籍でアイデアをメモ サンプルパックやDAWプリセットで普段使わない音色を試す 情報はそのままコピーせず、自分の曲に合う形でアレンジすると価値が高まります。 4. 制作...

  曲を作っていると、「うまくできない」「続ける意味があるのかな」と感じる瞬間が、誰にでもあると思います。私も例外ではありません。制作が止まってしまったり、思うような結果が出なかったり、SNSで他の人の活動を見て落ち込むこともあります。 それでも、音楽をやめなかったのは、「音を作る時間」そのものが、私にとってかけがえのないものだからです。 今日は、そんな私が音楽を長く続けるうえで大切にしている 3つのこと をお話しします。 1. リラックスした状態で作る リラックスした状態で作った曲の方が、なぜか周りの反応も良いことが多いです。あんまり気合を入れすぎず、心の向きに沿って音を重ねていく方が、自分には合っているように感じます。 「できたらグッド。できなくてもいい。」そんな気持ちを保つことが、実はとても大事です。たとえば、私の曲「Hoshikage -星影-」では、「自分自身を癒す曲を書きたいな」と思って作り始めたとき、ふと「星」をテーマにしようと決めた瞬間、音色選びがすっと決まりました。テーマが見えた途端、迷っていた要素が自然と整理されていったのです。 作曲は、気合よりも“心の状態”で結果が変わる不思議な作業です。クリエイティブな流れは強制されるものではなく、ふとした気づきの中で生まれることが多いのです。だからこそ、肩の力を抜いて、音に身を委ねることを大切にしています。 実践ポイント： 週に1回、自宅ではない場所（カフェ・公園など）で作業してみる 制作前に「5分間だけ深呼吸」して頭をクリアにする 作業時間を「1時間以内」に制限して、だらだらせずに打ち込む 2. 音楽以外の「好き」を見つける 実際に作業するのはデスクの上ですが、それだけでは曲作りはなかなかうまくいきません。長く続けていると、机に向かっている時間よりも、「音楽から離れている時間」のほうが大切に思える瞬間が増えてきました。 読書や散歩、旅に出ること。あるいは、いつもと違う場所でコーヒーを飲むこと。そんな普段とは少し違うアクションから、思わぬインスピレーションをもらえることがあります。私の場合は、コーヒーを淹れる時間がとても穏やかで好きです。豆を挽く音や、お湯を注ぐときの香りの変化を感じていると、頭の中が少しずつリセットされていく。その感覚が、気づけば音作りのリズムにもつながってい...

こんにちは、poco moonです。 今日のテーマは「曲ができないときに考えていること」です。 作曲を続けていると、曲がスムーズに生まれるときもあれば、なかなか形にならないときもあります。これは音楽に限らず、絵を描く人や文章を書く人、何かを創作するすべての人に共通することかもしれません。 「作れない」時期には、決して才能が失われたわけではなく、ただインプットが不足していることが多いと私は感じています。 休むことも大切な制作の一部 作曲を続けていく中で、私は「休むことの重要性」を実感しました。机に向かってひたすら音を重ねるだけでは、感覚が徐々に鈍ってしまいます。 そんなときはあえて音楽から離れることが大切です。犬と散歩をしたり、家族とゆっくり話したり、本を読んだり映画を観たり、旅に出ることもあります。 こうした時間の中で、ふとした瞬間に「音」が戻ってくることがあります。五感で受け取ったものが、知らないうちに心の中で音楽として結晶していくのです。 実践ポイント 作曲がうまくいかないときは一日数時間だけでも完全に休む 五感を使った体験を意識的に取り入れる 焦らず、心に余白を作ることで新しいアイデアが生まれやすくなる インプットを別の形でアウトプットする インプットしたことをただ心に留めておくのではなく、何か形にして外に出すこともクリエイティブな循環のひとつです。 私の場合、ブログを書くこと自体がアウトプットとなり、音楽に向かう感覚を整理する助けになっています。また、旅先で環境音をハンディレコーダーで収録するのも好きです。波の音、風の音、鳥の声などを録音していると、自然のリズムや音の重なりを感じ、自分の音楽の種が少しずつ育っていることを実感します。 実践ポイント 日々の経験や出会いを短いメモや文章で記録する 環境音や日常の音を録音して後で音楽制作に活かす インプットをアウトプットに変換する習慣を作る 焦りを感じたときに思い出すこと SNSでは他のミュージシャンが毎日のように新曲を発信しています。その流れに焦って「自分も何か出さなきゃ」と思うこともあります。しかし、そんなときこそ立ち止まって、「自分の音楽を誰に届けたいのか」を考えます。 私の場合、一番に思い浮かぶのは身近な人たちです。家族や応援し...