poco moon blog

最近、自分の住んでいる場所(日本)はぐっと冷え込んできました。一気に冬モードに突入した実感があって、体調を崩さないよう気をつけたい季節ですね。皆さんの地域はいかがでしょうか？さて、今日は私が続けている YouTubeでのBGM発信 について、少し書いてみようと思います。 1. YouTubeでの発信について 私は2021年6月から、YouTubeで自作のBGMを発信し続けています。現在は、 毎週水曜日の夜20時半に1曲公開 するペースで更新しています。YouTubeはやはり利用者が多く、音楽を探している人が最初にアクセスする場所でもあります。ですので、自分の音を知ってもらうためにも欠かせないメディアだと感じています。いつも聴いてくださっている皆さん、本当にありがとうございます。コメントや高評価がとても励みになっています。 2. なぜ YouTubeで発信するのか？ BGMを探すとき、多くの人がまずYouTubeで検索します。実際、私のチャンネルも海外からの視聴が多く、思わぬ国から再生されていることもあって驚くことがあります。より多くの人に知ってもらえることは、音楽を作る者として大きなモチベーションにつながりますYouTubeは、音が世界とつながる場所、そんな感覚で続けています。 3. 投稿しているBGMの特徴 ジャンルはとくに限定していませんが、 エレクトロニカ、アンビエント、和風、コーポレート系 が得意です。YouTubeではフルサイズで聴けるようにしてあり、もし気に入っていただけたら、 Audiostock や STORES で購入できる動線を作っています。 また、作業用として流しやすいように、 1時間・10分バージョンなどの長尺BGM も制作しています。「作業しながら、ぼんやり聴いていたい」と言っていただくことが多く、そうした声に応える形で続けています。 4. 継続のコツとして意識していること 無理なく続けるために、更新頻度はあえて 週1回 にしています。そして、季節もののBGMを作るとモチベーションがぐっと上がるので、季節の移り変わりを感じながら制作することも大切にしています。自然の空気や気温、行事などから受け取るインスピレーションは、やっぱり音に反映されますね。 5. YouTubeを通じて感じていること 自分の音楽が、海の向こうでも聴かれてい...

こんにちは、poco moonです。 今日のテーマは「曲の構成を考えるときに意識していること」です。 私は曲を作るとき、最初の段階では全体の構成まで深く考えません。まずはピアノやシンセでメロディやモチーフ、コード進行をスケッチのように描き、音の断片を集めていきます。そこから少しずつ、「この曲はどんな風景を描きたいのか」「どんな流れで聴かせたいのか」が見えてきます。 構成を考え始めるのは、その“音のかけら”が形になり、曲の全体像が頭の中で少しずつ立ち上がったタイミングです。イントロからアウトロまでの組み立て方で、曲の印象は大きく変わります。メロディや音色の選び方と同じくらい、構成は音楽の“ストーリーテリング”に深く関わる大切な要素だと思っています。 イントロはシンプルに、でも印象的に イントロはその曲の“第一印象”です。ここで聴く人の興味を引けるかどうかで、最後まで聴いてもらえるかが決まることもあります。私はできるだけ長くならないように意識しています。ピアノのコードだけで始めたり、4つ打ちのハイハットやバスドラのリズムだけで空気感を作ることもあります。 大切なのは、最初の数秒で「おっ」と思ってもらえること。派手さではなく、“これから何かが始まりそう”という期待感を作ることです。音を詰め込みすぎず、空白を活かしたイントロにすることで、聴き手の想像力を引き出せます。 実践ポイント イントロは30秒以内を目安に短くまとめる 最初の和音やリズムで曲の雰囲気を象徴させる 空白を残すことで、次に入るメロディがより引き立つ 足すだけでなく“引く”構成の魅力 多くの曲では展開に合わせて楽器やハーモニーを重ねます。私もその方法はよく使いますが、最近は“引く構成”にも魅力を感じています。 例えば、1回目の展開が終わったタイミングでベースを抜いてみると、音の厚みが一瞬消え、メロディが浮かび上がって聴こえます。その後で再びベースやパッドを加えると、同じ構成でも新鮮な印象が生まれます。 音を足すのは簡単ですが、引くことには勇気がいります。しかし、その“間”にこそ音楽の深みや余白が生まれるのです。特にアンビエントやエレクトロニカでは、静と動のバランスを意識することが、曲の魅力を左右します。 実践ポイント 展開の途中であえて一部の楽器を抜く ...

こんにちは、poco moonです。 今日のテーマは「BGMに使う音選びのコツ」です。 DTMでは、打ち込み技術や演奏の正確さももちろん重要ですが、実は「音色選び」が作品の印象を大きく左右します。どんな音を選ぶかによって、音楽の質（クオリティ）が変わり、同じメロディでもまったく異なる雰囲気を持たせることができます。 メロディを引き立てる音の組み合わせ 私の場合、メロディはピアノで作ることが多いですが、時にはベル系のサウンドを重ねることもあります。ピアノだけでは他の楽器に埋もれやすい場合もあるため、グロッケンをうっすら混ぜることで音の輪郭をはっきりさせ、煌めきを加えることができます。 このように、ほんの少し高域に煌めきを足すだけで、曲全体の聴こえ方がぐっと洗練され、印象が変わります。聴き手の耳に残る“透明感”や“明るさ”を意識することがポイントです。 実践ポイント メインの楽器に補助音を加えて立体感を作る 高域の煌めきは控えめに入れることで自然な印象 音が重なったときの輪郭を意識して配置する 音の硬さ・柔らかさでジャンルを表現する 音の「硬さ」や「柔らかさ」は、その曲のジャンルや雰囲気を決める重要な要素です。 コーポレート系BGM クリーンで硬めの音を使うと、サウンドが引き締まり、落ち着いたクールな印象を与えます。ビジネス向けや安心感を出したい場面に適しています。 アンビエント系BGM 柔らかいパッドやアタックの穏やかな音を中心にすると、空気のように優しい雰囲気が作れます。リラックスや癒しを目的としたBGMに向いています。 曲の世界観に合わせて音の“質感”を意識して選ぶことが、完成度の高いBGM制作には欠かせません。 実践ポイント ジャンルごとに基準となる音色を決めておく メインの楽器とサブ楽器で硬さ・柔らかさを調整する 曲全体の統一感を損なわない範囲で質感を微調整 帯域バランスで音を整える 音の周波数帯域が重なりすぎると、全体が膨らんで聴き取りづらくなります。私は主張したい音と支える音の帯域を意識的に分けるようにしています。 例えば、 メロディは明るめの高域寄りに パッドは中域を中心に ベースは低域を丸く置く このように配置すると、自然な立体感が生まれ、各楽器の存在感がはっきりします。帯...

こんにちは、poco moonです。 今日のテーマは「BGMを作るときに意識している“聴かせない音楽”」です。 音楽というと「人に聴かせるもの」というイメージが強いかもしれません。しかし、BGM（バックグラウンドミュージック）では、むしろ“聴かせすぎない”ことが非常に大切です。音楽が主役になりすぎると、場の空気や映像、体験そのものの印象を壊してしまうことがあります。 BGMはあくまで脇役。映像作品であれば映像が主役、カフェやショップでは空間やお客さんの体験が主役です。音楽はそれを引き立てる役割を担う、これがBGMの本質だと私は考えています。 最近は特に、映像と連動したBGMの需要が増えています。カフェ、レストラン、ギャラリー、アパレルショップ、美容室など、様々な空間の雰囲気に合わせた音が求められるようになっています。音楽が主張しすぎると空間の印象が壊れるため、「聴かせない音楽」を意識することが重要です。 メロディは“語りすぎない” BGM制作で最も重要な要素のひとつは“メロディ”です。歌もののように強く主張するメロディを入れると、聴く人の意識が音楽の方へ向きすぎてしまいます。 私は、メロディをできるだけ詰め込みすぎず、音と音の“間”に余白を残すようにしています。この間隔が、空間を流れるような感覚を生み、自然に聴き手の意識を空間に向けることができます。 代わりに、コード進行で物語や情緒を表現することを意識します。セブンスコードやテンションコードを使い、さりげなく感情をにじませる。派手な展開ではなく、空間と調和する控えめなメロディが、美しく響くと感じています。 実践ポイント メロディの音数を抑えて余白を作る コードで感情を表現し、メロディは控えめに 空間に合わせたテンポとリズム感を意識する 空間をデザインする音作り BGM制作では、リバーブやディレイの活用も欠かせません。これらのエフェクトを使うことで、音に“居場所”が生まれ、曲に立体感や奥行きが加わります。 私は曲ごとにリバーブの深さを意識的に変えています。たとえば静かな夜のシーンを想像した曲では、リバーブを広げて奥行きを出し、ディレイを少し長めに設定して音の余韻を大切にします。こうすることで、音に余裕が生まれ、聴く人が自然とリラックスできる環境を作れます。まるで音そのものが“呼吸”しているかのよ...

こんにちは、poco moonです。 今日は私がBGMを1曲作るときの基本的な流れを、実体験を交えながら紹介します。初心者でもイメージしやすいように、ステップごとに分けてまとめました。 1. ジャンル別テンプレートを立ち上げる BGM制作は、まずジャンル別に用意したテンプレートを立ち上げるところから始めます。テンプレートには次のような工夫があります： ジャンルに合った基本的な音色をセット プラグインやトラックの色分けで視覚的に整理 作曲時に迷わず曲に取りかかれる環境を整備 ただし、同じテンプレートを使い続けると曲の雰囲気が似てしまうこともあるので、定期的にアップデートしています。 2. コード進行とメロディで骨組みを作る 曲の骨組みは、ピアノで作ることが多いです。 4小節程度のコード進行を考え、ループさせる その上にメロディを重ねて曲の基本を作る コードとメロディの組み合わせで曲の雰囲気が決まる この段階でじっくり時間をかけることで、曲全体の印象が安定します。 3. ドラムやリズムで大枠を整える 次に曲のリズム部分を作ります。 ドラムやパーカッションを加える 派手なリズムよりも、空気感や心地よさを重視 音の抜き差しや強弱で曲の印象を調整 ここで曲全体の大枠が見えてきます。 4. ハモリや裏メロディで厚みを出す 曲に深みを与えるために、ハモリや裏メロディを追加します。 メインメロディを引き立てるハモリ 聴き手の印象に残る裏メロディ 音色やフレーズを微調整してバランスを整える こうして音の立体感や奥行きが生まれます。 5. ミックスで仕上げる 最後はミックス作業です。私は作曲作業とミックスを同じ日に行わず、日を分けることが多いです。耳をリフレッシュすることで、客観的に音をチェックできます。 各楽器の音量やパンの位置を調整 リバーブやエフェクトで自然な空間感を作る 曲全体がバランスよく聴こえるように仕上げる まとめ テンプレートを活用しつつ、 コード進行 → メロディ → リズム → ハモリ → ミックス の順で進めると、効率よく自分らしいBGMが完成します。 作曲の過程はシンプルに見えますが、音色やフレーズの微調整など、小さな工夫の積み重ねで曲の印象は大きく変わります...