このブログについて

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こんにちは、poco moon（ぽこむーん）です。

このブログは、私が音楽制作や演奏を通して得た知識や経験を、少しでも多くの方と共有したくて立ち上げました。

ブログの主なテーマ

DTM・作曲に関するヒントやコツ

使用している音源やプラグインの紹介、制作の裏話などを掲載します。
初心者の方でも参考になる、曲作りのアイディアやテクニックを中心に紹介しています。

機材レビュー

実際に使っているギターや音源、周辺機材を、クリエイター目線でレビューします。
使い勝手や音の特徴など、制作に役立つ情報をまとめています。

音楽活動レポート

制作中のBGMやリリース情報、ライブの様子などを随時お届けします。
音楽制作の過程や舞台裏も感じてもらえる内容です。

講師としての気づきやレッスンメモ

ギター・ウクレレ・DTMを教える中での気づきや、初心者がつまずきやすいポイントをまとめています。
実践的なアドバイスや学習のヒントとして活用できます。

読者の方へ

このブログは、音楽制作を始めたい方、機材を探している方、またはBGMやインストゥルメンタルが好きな方に向けて書いています。
記事を通して「音作りの楽しさ」や「表現する喜び」を感じてもらえたら嬉しいです。

これから少しずつ記事を増やしていく予定ですので、のんびりと読んでいただけたら幸いです。
どうぞよろしくお願いします。

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曲作りがマンネリ化したときに試したい、アイデアを広げる5つの方法

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長く曲を作っていると、どうしても似たフレーズやコード進行ばかりになってしまうことがあります。いわゆる「マンネリ化」です。自分では「もっと新しいことをやりたい」と思っても、つい安心できるパターンに頼ってしまうものですよね。 しかし、マンネリは決して悪いことではありません。むしろ、自分自身が持っているパターンを見直し、「次の一歩」を考えるきっかけになります。特に、アンビエントやエレクトロニカを手がける方にとって、少しの変化が作品の世界観を大きく変えることがあります。 この記事では、私自身が実践してきた 5つの具体的な方法 を紹介します。短時間で取り入れられる工夫なので、次の曲制作にぜひご活用ください。 1. 使い慣れたコード進行に安心しすぎない 長年作曲をしていると、どうしても馴染みのコード進行に頼りがちです。例えば、自分の場合「Am‑F‑C‑G」をベースに曲を構築することが多く、安心できる反面、類似した雰囲気の楽曲が並んでしまうことがありました。 解決策 他ジャンルをコピーしてアレンジ スケールを変えてみる（ペンタトニック→フリジアン、ドリアンなど） 転調のタイミングを意図的にずらす（例：8小節目で+2半音、ドラムだけ先に変化） 少しの変化でも、インパクトのある響きに変わります。「使ったことのないコード進行×2」をまず1曲だけ試してみるのがおすすめです。 2. 喫茶店や外で作業してみる 自宅やいつもの作業場所では、どうしても同じパターンに偏りがちです。 外の環境で作業することは、新しい刺激を得る有効な方法です。 実践例 BGMのあるカフェで、普段作らないリズムやコード進行を試す 雨音や街のざわめきを録音して曲に取り入れる 制限時間30分で直感的にフレーズを作る 外の環境は偶然のアイデアを生みやすく、マンネリ打破に効果的です。 3. 本やネットで積極的に調べる 使い慣れたフレーズに頼りすぎると、新しい表現は出にくくなります。他の作曲家やジャンルの情報を取り入れましょう。 具体例 YouTubeでコード進行や作曲解説をチェック 作曲関連のブログや書籍でアイデアをメモ サンプルパックやDAWプリセットで普段使わない音色を試す 情報はそのままコピーせず、自分の曲に合う形でアレンジすると価値が高まります。 4. 制作...
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フィールドレコーディングの魅力 ― 風や波が教えてくれる“音の時間”

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こんにちは、poco moonです。今日のテーマは「フィールドレコーディングの魅力」。私の楽曲の中には、波のさざめきや鳥のさえずり、風が木々を抜ける音など、“環境音”がそっと混ざっています。アンビエントやエレクトロニカを制作する中で、こうした音は「メロディやリズム」と同じくらい大切な要素になっています。 制作スタジオの静けさでは捉えきれない「場の空気」や「時間の経過」――私はそれらを音楽へ閉じ込めたいと思っています。旅先でマイクを向けたとき、録音機のLEDが光るたびに、耳の奥で何かが目を覚ます感覚があります。 今日は、私がフィールドレコーディングを通じて感じてきたことと、実践のヒントをお届けします。 どんな音を録るのが好きか 旅先では、ぐっと耳を澄ませたくなる瞬間があります。岩に波が当たる音、風が森を抜ける音、川が穏やかに流れる音──。そんな“風景の中の音”を見つけたとき、録音機をそっと取り出します。 海辺でマイクを構えたとき、砂上を歩く足音や遠くのカモメの鳴き声まで聴こえてくることがあります。そのたびに“この音がどう曲に化けるか？”という想像がふくらみます。 録音という行為は、ただ音を記録することではなく、「その場所の時間と空気を切り取る」旅のようなものです。 実践ポイント： 自宅から30分以内の自然スポットを1つ見つけ、スマホや録音機を持って出かける。 音が穏やかな朝や夕暮れに録音を試す。人の声や雑音が少ない環境は“クリアな空気感”を得やすい。 録った音をタイトル／日付付きでフォルダ管理する。「どこで何を録ったか」が作品制作時のアイデア源になる。 フィールドレコーディングの工夫 録音には、私は ZOOM H4n と H1n の2種類を使っています。以前はH4nでしっかり録ることが多かったですが、最近は一眼レフで写真も撮るため「機材を軽くしたい」という思いからH1nを使うことが増えました。 いちばん難しいのは「人の声が入らない環境を見つける」ことです。人通りの少ない時間帯や場所を探し、静けさが訪れた瞬間を待ってマイクをセットします。5〜10分ほど録っても、風の向きが変わったり、車の音が入ったりして理想の音にならないことも多々あります。それでも、うまくいった録音には「その場所の空気」がまるごと写っているようで嬉しくなります。 実践ポイント： ...
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曲の構成を考えるときに意識していること ― 音の物語を紡ぐ

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こんにちは、poco moonです。 今日のテーマは「曲の構成を考えるときに意識していること」です。 私は曲を作るとき、最初の段階では全体の構成まで深く考えません。まずはピアノやシンセでメロディやモチーフ、コード進行をスケッチのように描き、音の断片を集めていきます。そこから少しずつ、「この曲はどんな風景を描きたいのか」「どんな流れで聴かせたいのか」が見えてきます。 構成を考え始めるのは、その“音のかけら”が形になり、曲の全体像が頭の中で少しずつ立ち上がったタイミングです。イントロからアウトロまでの組み立て方で、曲の印象は大きく変わります。メロディや音色の選び方と同じくらい、構成は音楽の“ストーリーテリング”に深く関わる大切な要素だと思っています。 イントロはシンプルに、でも印象的に イントロはその曲の“第一印象”です。ここで聴く人の興味を引けるかどうかで、最後まで聴いてもらえるかが決まることもあります。私はできるだけ長くならないように意識しています。ピアノのコードだけで始めたり、4つ打ちのハイハットやバスドラのリズムだけで空気感を作ることもあります。 大切なのは、最初の数秒で「おっ」と思ってもらえること。派手さではなく、“これから何かが始まりそう”という期待感を作ることです。音を詰め込みすぎず、空白を活かしたイントロにすることで、聴き手の想像力を引き出せます。 実践ポイント イントロは30秒以内を目安に短くまとめる 最初の和音やリズムで曲の雰囲気を象徴させる 空白を残すことで、次に入るメロディがより引き立つ 足すだけでなく“引く”構成の魅力 多くの曲では展開に合わせて楽器やハーモニーを重ねます。私もその方法はよく使いますが、最近は“引く構成”にも魅力を感じています。 例えば、1回目の展開が終わったタイミングでベースを抜いてみると、音の厚みが一瞬消え、メロディが浮かび上がって聴こえます。その後で再びベースやパッドを加えると、同じ構成でも新鮮な印象が生まれます。 音を足すのは簡単ですが、引くことには勇気がいります。しかし、その“間”にこそ音楽の深みや余白が生まれるのです。特にアンビエントやエレクトロニカでは、静と動のバランスを意識することが、曲の魅力を左右します。 実践ポイント 展開の途中であえて一部の楽器を抜く ...
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